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 Artist Kang Deok Hyeon made his name known to the public starting with street exhibitions. He tried to decorate the space to reveal his own individuality and make people feel familiar with art. In 2015, starting with his first group exhibition <A Hot Air Balloon in the Night of Youth> at the Yongin Poeun Art Center, he held 9 solo exhibitions and 13 group exhibitions at numerous galleries and art museums. Projects that have been carried out so far include Seoul Fashion Week ul:kin collaboration, Naver Creator Day (Project Flower), Sharing Seoul Festival painting performance, and numerous album covers. He is an artist who shows continuous growth by using ideas and experimental techniques that are unique to his thoughts and philosophy.

Kang Deok Hyun’s 10th solo exhibition <Just Kidding>, which will be held at LGallery in 2022, is a series of <City of Villains>, he started in 2020, and accuses the villains who exploit the dreams and romance of modern people. The artist, who is interested in various social problems in Korean society, humorously and pleasantly expresses the villains who destroy the value of humanity under the bizarre slogan, "We are all villains."

The villains appearing in the work visually reveal the inner conflicts of human beings, and also contain environmental problems or ideological conflicts. At the same time, the villains described in the <City of Villains> series become symbols of fef (fake friend), a heart-shaped character with a black intention created by the author.
 The artist has moved away from the dripping technique using enamel paint, which he has been researching, and changed his working method to general painting so that the story of <City of Villains> can be visually conveyed. Also he is fascinated by the touch of a brush, the rough texture of a crayon, and the rough pencil lines. In addition, he wants to expand the story of the work through various media such as three-dimensional, ceramic, animation, and short stories.
 Artist Kang Deok Hyun, who dreams of a romantic life, is struggling to keep his own values through his work. In a society that forces people to become adults, he focuses on things that fill his life beautifully and abundantly while holding on to his dreams and hopes. The artist wants to make fun of a society full of adults in a childish way, humorously accusing a gloomy society.


Deok Hyun KANG Solo Exhibition

6 December, 2022 - 6 January, 2023

Passage of Time
 In order to hold on to the passing of time, we store our memories in our own way. Sometimes one collects things that contain the years, others take pictures, and some write. Moon Seung Yeon draws her own time that she has experienced within a set frame. It is a narrative depicted based on the artist's imagination and memory.

 The artist's world is like a fairy tale. And the artist herself dreams of a life like a fairy tale. The time of a fairy tale is fantastic and beautiful when it is inside, but it disappears like smoke when it comes out a little bit. The artist captures that fantastic and beautiful moment. In order to accumulate the best memories so that they can be retrieved someday when life gets tired, and to remain as a memory that can be forgotten but nevertheless can be returned to. This is comforting not only for the artist but also for the audience. Although it is the artist's memory, it becomes a device through which anyone can return to their own time.

 The woman and the object appearing in the work somehow unknowingly take the form of a single body. The woman holding the cat has cat ears, and the woman with the bee is wearing a bee suit. A bear is sometimes depicted as a shadow, and a butterfly's wings are sometimes depicted on its back. When the woman holds a teacup, it contains all things. Moon Seung Yeon's early works contain a period of constant anguish and exploration of herself. She

re-examined the meaning of each object and put the most artist-like things on the screen. A faded tone is applied to the entire screen to express the passage of time, and harmonious but eye-catching point colors are added to reveal the artist's individuality. Also, although the background is monotonous, the expression of detailed objects catches the eye.

 In recent works, the figure of the woman begins to change. No longer staring at the audience or expressionless. It is expressed in an independent form from the surrounding objects, and a faint smile is seen towards the objects rather than the audience. The color also changes. Soft pastel tones create a comfortable atmosphere and use soft lines to create a cute atmosphere. In addition, the women express movement rather than immobility, leading the audience as if they are heading somewhere. It seems that the author's time of agony is finding the answer. In the meantime, the woman who has appeared in various personas is now facing and accepting herself.

 A glimpse into the artist's life in the flow of time is also interestingly delivered to the audience. The artist's inner story and the way her work grows together also suggests the direction of life as a person living in the same time period. Memories of a childhood, the world experienced as an adult, and the people and relationships are the driving force of growth for the artist and
appear in the paintings. The positive and courageous attitude of Moon Seung Yeon, comes as a good message to the audience.

 The time that artist Moon Seung Yeon draws contains the artist's constant anguish and a desire to make the world a little better. The artist suggests that you take a moment to pause and to look back and think about your life. Through this, people will try to change the harsh world softly, at least slightly. For the future, people can expect Moon Seung Yeon to fill time in a colorful and meaningful way to capture it in the canvas.

Once Upon A Time

Seung-Yeon Moon Solo Exhbition

1 November - 30 November , 2022

Kim Kwan Young's 2022 solo exhibition <Forgotten but Not Gone> is an exhibition of various attempts that have not been shown before as part of <The Memories of the Unconscious>.

Kim Kwan Young's work <The Memories of the Unconscious> is a project that harmonizes the artist's sophisticated technique with brilliant colors. As part of exploring the artist's introspection on the unconscious, this project was planned up to the 1000th work, and is currently working on the 700th. The work is an abstract art that is not bound by free composition and form, and contains the artist's representation using points, lines, and planes in the vast unconscious world that transcends time and space.

 Kim Kwan Young, who has exhibited mainly at overseas art market, will hold a solo exhibition in Korea after a long time. This exhibition mainly attempts to distract the attention of the artist, who has stayed only in the center. By leaving the center blank, the sense of space is preserved and the subject forms are dispersed around the periphery to allow a more focused view of the work.Not only that, it captures the memories lost in the unconscious that the artist wanted to find while carrying out the project, as well as the artist's feelings. The belief that a memory is

forgotten over time, but does not disappear unless the soul changes is fully reflected in this exhibition.

The world of the unconscious presented by Kim Kwan Young is the color itself, and this exhibition can be seen as a feast of various mediums. The visual effects and colorful appreciation points of each material are the elements that enrich this solo exhibition. Starting with this exhibition, it is expected that the artist's continuous research and reflection will be able to complete <The Memories of the Unconscious> with perfection until the project is completed.

Forgotten,But not gone

Kwan-Young Kim Solo Exhbition

16 September - 20 October, 2022​

2022, L Gallery is about to start an interesting experiment in its new place.
The gallery would like to introduce young artists who have not yet set foot in the world, and show their experimental spirit and passion.
By presenting works that have only been breathing in the studio until now, L Gallery is trying to  find directions for new artists in the future. And by encouraging communications with various people will inspire young artists to grow with confidence.
L Gallery asks for your interest and support so that many new artists around the world can participate in the future.


In modern society, more and more people are living their lives by pioneering their own thoughts  and values. As information becomes easier to access and commute freely, there are sufficient  conditions to be exposed to a variety of experiences and to make choices. 
But these affluent times make us even more isolated. Different interests lead to indifference, and  even if they are in the same space, they fall into their own world  In the works of a young artist Kimyura, there are people who are constantly searching for their  own world. Modern people depicted through the artist's point of view are like people wandering  in search of something, people who quietly leave like ghosts, and people who are alone in a  crowd.
Kimyura expresses a sense of distance between herself and the characters in her work with her own unique colors and feelings, creating a realistic yet dreamy atmosphere. Events that seem to be beyond the memory are summoned and captured on the screen, and although there is a narrative, it is cut off.
The perspective of artist Kimyura, who wants to see the surroundings differently or in a new  way, has an interesting background. She has been constantly trying to find balance in two  similar but different worlds and to build her own world. It is expected that the artist will continue to explore and grow in her own world of work.

摸 索 : 모 색

YURA KIM Solo Exhibition

16 August, 2022 - 26 August, 2022

DirenLee’s 2022 solo exhibition “Middle Earth” is an exhibition that shows the artist's experience in which the worlds of the two extremes of reality and the unconscious are connected through dreams. The artist divides the world of Middle Earth into the sun and the moon and describes the scenes occurring each time realistically and in detail. Dreamy tones are applied to the colorful colors mainly used in previous works, and the flow of time is sensibly released by adjusting the shading. The main characters appearing in the work are projections of the artist or the people around them, and they each have their own stories and are naturally harmonious with each other.

“I was promised to remember the moment I saw the purple ball” - DirenLee

The reality in DirenLee's work has already been simulated in the unconscious. The unconscious self draws a map of life, and the real self is a repetition of recalling forgotten memories one by one. The ending that will one day arrive is not shown or remembered in advance, but one just accepts the moment and moves forward one step at a time. Whenever there is confusion, the real self meets the unconscious self and draws a consensus. In the process, there is pain and joy, 
and one day the two selves will meet. For years, Direnlee's works have been about communication, empathy, and inner healing, which showed the process of a shy artist coming out of the world. This exhibition shows the world as seen by the artist more proactively and boldly. The stories that were implicitly captured in the previous works are now expressed directly in the works and delivered to the audience as narratives.

Middle Earth

Diren Lee Solo Exhbition

12 July - 11 August, 2022

그리움을 그리움이라고 말하지 못하는 까닭은 그리운 말들이 세상으로 나올 때 낙화하는 유성처럼 모두 부서져 버리기 때문이다. 봉인하고 가두어 언제 가는 나조차 모르게 소멸되어 가는 그림자들의 시간...

“온 세상의 모든 일은 그리움 투성 이다”

과연 그곳이 있을까? 

온몸을 바늘로 찌르는 듯한 고통을 잊는 어떤 시간

거꾸로 몸이 매달려 몇 번인가 혼절한 후에도 기쁜 눈물의 시간

오늘은 4시간 만에 10미터를 움직였다. 수 없는 번민과 고통과 아주 짧은 잠깐의 각성 뒤 기쁨과 의식의 명료함과 냇가의 박하풀 같은 천연각성제. 내가 생각이 1mm 자랄 때에는 타인의 모습에서 꽃과 같은 모습을 발견할 때이다. 

아니 실은 그렇게 보면 모두 보인다. 한 순간도 걷어내지 않으면 흐려지고 마는 게 내가 가진 호수다.

작업을 마치고도 어떠한 미동조차, 일어서질 못한다 이 적요와 고요함의 평화가 달아 날까봐.


추상화는 얼굴보다 더 솔직하여 벌거벗은 임금님보다 더 적나라하다. 작은 구멍 속에 들어가 겨우 고개를 내밀고 밖의 눈치를 보는 다람쥐와 같은 신세지만, 그러나 또 별들의 횃불이 되는 선물 또한 동시에 다가온다. 

그러니 무엇을 선택할 것인가? 대다수는 그렇게 여행하다 사라진다. 그렇다면 별들의 횃불이 있기나 한 걸까? 그러나 자신이 횃불이라고 한다면, 그건 생명이 꺼진 죽어버린 횃불이다. 다만 나는 침묵하고 걸어가야만 한다. 어딘가에 있을 문을 향하여 달팽이처럼 움직이다 한번 일어서기 위하여 세 시간을 투쟁한다. 그런 날은 집안을 정리하고 몸과 마음을 더욱 단정히 한 후에 화폭 앞에 앉는다

오늘이 마치 생애의 마지막 날인 것처럼...

소멸과 순환의 시간 <The Consolation of Philosophy> 

“철학은 시대의 고통과 인간 영혼의 상처를 읽고 치유하는 의사다”ㅡ니체 

구광모의 작품은 아프다. 

무언가 아카데믹한 구조가 없고 서사도 보이지 않는데 '쿵' 하고 던진 내면의 이야기가 내것같아 심연으로 깊게 빠져든다. 여러 겹으로 칠해진 색들과 거칠게 춤추다 스스로를 지우는 붓 터치를 따라 마치 숨을 쉬듯이 그림 저 안쪽 너머로 빨려 들어가다 보면 이내 고요가 사방으로 울려 퍼지면서 나를 꼼짝 못하게 휘감아버리는 신비로운 경험을 한다. 그렇게 낯선 듯 낯익은 나를 만나는 시간위로 불현듯 눈물이 흐른다. 

그의 작품들은 자기학대와 자기연민이 무한 반복되는 슬픔의 무간도에 머물다 순례, 용서, 빛, 그리고 영원을 이야기 하며 스스로를 치유한다. 자아 성찰의 절박한 토양이던 그의 캔버스 위 거친 상처와 그 흔적들은 명상의 빛과 덧칠하고 지우는 덧칠하고 지우는 고행을 통해 비워지며 고요함을 만난다. 

그 적막한 고요함을 만나면 눈을 감고 나의 숨소리에 귀 기울인다 

내가 보인다. 

내가 있는 동시에 내가 없어지는 중인…… 

구광모의 작품은 모순으로서의 삶의 본성과 그것이 부정되어야 할 필연성을 이해시키는 것이 아니라, 삶을 그 자체로 긍정하고 나아가 자신의 삶을 창조하도록 자극한다. 심연 앞에서도 두려움 없이 기투하는 넘침과 상승의 정조를 전달하고 초월에로 향하는 행위를 한다. 작품은 이렇게 『철학적 위로』가 된다. 화가의 캔버스 위를 스치듯 만난 '찰나의 이야기'들은 관람객이 각자의 ‘나’를 만나게 하고 나의 상처를 충분히 아파해주고 나의 욕망을 만나고 나의 좌절을 만나 그렇게 투명해진 시간에 나를 보듬어 안아 평온으로 이끈다. 화가에겐 예술이란 자신이 깨달아가는 과정이다. 끊임없이 질문하고 답을 찾아가는 여정에서 내면이 단단해지고 어떤 상황에서도 흔들리지 않는 위로를 얻을 수 있다. 니체의 그것처럼 작품은 철학을 예술화함으로써 데카당스를 물리치고 건강한 삶을 회복하려 한다. 

우리모두 아프다. 모두가 지치고 우울해졌다. 실업과 폐업, 관계에서의 고립… ‘코로나 블루’라는 말이 일상이 될 정도로 사람들은 급격한 사회의 변화 앞에 속수무책으로 무너지고 있다. 이럴 때 우리는 변하지 않는 본질적인 것에 관심을 두고 그것에서 위로를 얻는다. 철학은 그렇게 기존의 절대주의적 가치에 끊임없이 질문하고, 자아를 반성하고, 새로운 삶을 살아갈 수 있도록 도와준다. 우리는 그런 과정 속에서 비로소 내면이 단단해지고  흔들리지 않는 위로를 얻을 수 있다. 예술은 그런 철학을 행위 하게 한다. 그러한 행위를 통해 작가와 관람객은 서로에게 위로가 된다.


Gwang-Mo Ku Solo Exhibition

9 June - 7 July, 2022

 The memories we don't remember


Kwan-Young Kim Solo Exhbition

1 - 30 May, 2021

Participating artist
Diren Lee
Kwan-Young KIM. 김관영
Seung-Yeon MOON. 문승연
Deok-Hyun KANG. 강덕현
Yun-Jung CHOI. 최윤정
Jin-Gab Jeong. 정진갑
Sara LEE. 이사라
WooJin KIM. 김우진


Group Exhibition

20 - 29 August, 2021

오마주(Hommage): 영화에서 감독, 작가 및 특정 작품의 장면들을 차용하며 존경을 표시하는 것.  현대사회를 살아가며 우리는 수많은 미술을 마주하고 있습니다. 미술관, 박물관 뿐만 아니라대중매체에서 볼 수 있는 미디어와 인쇄광고에서 까지 다양한 미술이 차용되고 있지만 하루에도 수백 수만건 이상의 미디어가 쏟아지는 환경에서 기억에 남는 이미지들은 얼마 되지 않습니다. 그럼에도 잘알려진 영화의 한장면, 모나리자 등의 명화를 말로 쉽게 표현해 낼 수 있을만큼 우리 기억속에 깊이 각인 되는 이미지들이 있습니다. 반복적인 노출로 인한 각인이거나 유명화가의 작품인 이유에서 대중의 선택이 있었겠지만 보다 앞서 작품을 존중하는 수 많은 사람들 덕분에 기회를 가질 수 있었다는 것은 의심의 여지가없습니다. 그래서 저희 또한 존경하는 작품으로부터 새로운 영감을 받고자합니다. 작가의 시선으로 작품을 바라보고 탐구하여 단순 모작이 아닌 새로운 작품으로 객들에게 보여드리고 싶습니다.



23 July - 4 August, 2021

김봉수, 김현준, 손영복, 여 원, 오상욱,이 시, 이상헌, 정진갑, 최영실, 황학삼

그랬듯, 모든게 일상

Group Exhibition

7 - 21 July, 2020

Artist Diren Lee paints the animals with human eyes. Each eye looks sometimes lonely, sad, an even has some inner wounds and stories. In her paintings, Lee describes her inner wounds and fears as the subject of equating each other’s pain by projecting them into endangered animals. 

“I express the eyes of an animal in a painting as that of a person. Through this, I wanted to empathize with their fears, and to say that their crisis is our’s.”

- Diren Lee Aristt Note -

She painted “Tattoo series” before “Animals”. she expressed her pains and fears by recording and engraving her inner wounds through tattoos that sometimes look like wounds. The animal-mixed series started with ”The story of the others“, which seems to be the same as other people’s pain and gaze, and the story of sharing and healing the heart of the wound is a theme that penetrates her work.”Fruits series“, the new works in 2019, are the new set of works that are newly seen through Art Fairs and Exhibitions. Fruits means the result of long hours of love and external threats.

All the works is painted on canvas with a slender brush, and it creates the hair and eyes of a living animal. Each process means we are all living creatures that can interat with emotions. We are all supposed to live together, and we are capable of holding each other’s wounds.

Artist Diren Lee (b.1983) graduated from Hongik University. She developed and designed the Asia’s beloved cat character <Choo Choo>. She now paints <Tattoo>, <Dream>, and <Animal> series features a detailed painting. Lee is now expanding her world view by combining dreams, reality, animals and humans into a single story. Her works were featured in <SAMSUNG laptop> global commercials, and Seoul Fashion Week Events, etc., and in a variety of areas.


Diren Lee Solo Exhibition

20 December, 2019 - 9 January, 2020

<많은 사람들을 위한 이야기와 한 사람만을 위한 이야기>는 신대준 작가가 작품을 통해 관객들에게 전달하고픈 이야기를 전시 타이틀로 옮겨 왔다. 유년의 기억, 일상의 위로 등은 누구에게나 적용되는 감정인 동시에 오직 나만을 위해 느끼고 간직하고 싶은 소중한 것들일 지도 모르는 감정들을 신대준 작가는 붉은 코끼리와 동행하는 소년의 이야기로 표현 한다.

신대준 작가의 그림 속의 이야기는 자신이 지나쳤고 품었고, 추억으로 존재했던 시간들의 집합체이다. 시간 속에 존재했던 기억의 단편들을 채집하여 새로운 이야기를 만든다. 그는 이런 방식을 통해 전시장의 ‘네러티브’화를 이어가며 마치 한편의 동화적 구성으로 자신의 작업세계관을 구성한다. 

이번 전시는 신대준 작가의 2019년의 발행하는 어른들을 위한 동화이다. 오직 갤러리를 통해서만 그가 새롭게 편집하는 한편의 입체적 동화책을 만나 볼 수 있으며, 2019년에 새롭게 발표하는 초기작 스타일의 작품들을 통해 다양한 구성을 더한다. 신대준 작가의 작품을 통해 이 시대의 위로와 나의 시절을 돌이켜 볼 수 있는 시간을 만나 볼 수 있기를 바란다.

많은 사람들을 위한 이야기와 한 사람만을 위한 이야기

Shin Dae-Jun Solo Exhibition

8-19 Desember, 2019

지금의 현실은 영웅들의 무덤이었다.  

이번 <영웅의 무덤> 전시는 행복주의자가 바라본 현실의 모습이다. 영웅은 죽고 행복은 길을 잃은 채 떠돌아다닌다. 

지금까지 나의 행복인 신화와 동화, 만화, 과거, 가족, 친구, 이성 등의 이미지의 형태를 뭉그러뜨리고 구체적으로 표현하지 않으려 했는데, 정착하지 못하고 부유하는 모호한 행복을 드러내고 싶었다.

이전 작업들이 추상 속에서 명확하게 이미지를 도출하여 행복을 찾고자 하는 의지가 들어가 있었다면 이번 작업들은 행복에 대한 강력한 의지보다는 현실을 객관적으로 직시하고 정확히 파악하는데 집중한다. 또 나의 판타지나 기억, 자아의 왜곡에서 벗어나 현대 사회에서 행복을 고민한다. 이런 상황에 유토피아를 이야기하는 것은 시기 상조였다. 우리는 우리가 빼앗겼던 행복부터 되찾아야 한다.


Deok Hyun KANG Solo Exhibition

18 October - 7 November, 2019

예술가들은 가장 현실적인 사람이다. 누구나 재미있고 특이한 상상은 하지만, 그것을 실제로 만들어 내는 것은 예술가들이다.

머릿속 생각을 캔버스에 옮기다 보면 상상 속 이미지와는 다를 때가 많다. 그 이유는 나라는 내부의 우주와 내 밖의 세상은 전혀 다른 우주이기 때문이다

나와 캔버스가 만나는 순간, 이 것은 평범하고 보잘 것 없어 보일 수 있지만 하나의 우주와 우주가 만나고 섞이며 대화하는 위대한 역사적 순간이다. 다시 또 순간은 무한대로 나눌 수 있으며 시간의 기준에 따라 한 번의 터치는 영겁의 시간과 대등할 수도 있다.  40억년 뒤 안드로메다 은하와 우리 은하의 충돌 이후가 예측이 되지 않듯이, 캔버스와 나의 만남은 이후가 예측되지 않는다. 순간순간 나는 새로운 우주와의 만남에 감사하고 새로운 우주와의 대화에서 배운다.

그림에서 가장 중요한 요소는 생각이 아니라 그림을 그리는 행위와 순간 그 자체라고 생각한다.


Seung-Yoon Choi Solo Exhibition

1 - 19 September 2019

작가가 보여주는 로맨틱하고 엉뚱한 에피소드 속에서 잃어버린 우리의 지난 시간과 자연, 인간 내면에 관한 성찰을 볼 수 있다. 이는 미술, 영화, 문학에서 다시 주목받는 하나의 현대 문화현상임을 알게 된다. 작가의 화면에서 순수하고 무한한 자유의 세계에서 경험하게 되는 환상의 나라, 순수의 세계, 비밀의 숲에서 미세하게 반응하고 교감하는 동심을 자극하는 조형적 시도가 기대가 된다. 그리고 존재론적인 표정으로 가득한 자아의 단상들이 붉고 푸른 생명의 숲 깊은 곳에서 이룩하는 풋풋하고 발랄한 수많은 에피소드의 이야기들을 기대해 본다.

The Way to the forest

Joo-Young RyuSolo Exhibition

16 - 25 August, 2019

내게 그림을 그린다는 것은 지극히 사적인 이야기를 풀어내는 수단이기도 하지만 무엇인가를 찾아가는 연구같은 것 이기도 하다. 이전에는 내가 한 인간으로서 느끼는 삶의 무거움을 말하고 싶었다면 요즘은 조금 다른 이야기를 하고 싶다. 조금은 가볍게 공부를 해가듯 그림을 통해 어떤 형태들을 찾아가고 있다. 역시나 내가 찾고 있는 그 형태들이 무엇인지는 아직 알지 못하기에 이번에도 과정을 보여주는 전시가 될것 같다. 인간과 그 인간을 둘러싼 외부의 것들이 섞여 새로운 형태들이 만들어져 가길 바라고 있다. 항상 그렇듯 이 연구가 지속되었으면 한다.

Light Study

Eun-Kook Park Solo Exhibition

9 - 15 August 2019

아티스트가 어떤 역할로 자신의 존재 가치를 증명할 것인지에 대한 고민이 있다. 작가로서 나는 되도록 많은 사람들이 알아볼 만한 충분한 존재감과 영향력을 가진 사람이 되고 싶다. 삶의 본질적인 문제, 근원적인 질문들, 가치의 우선순위에 대한 고민과 호기심, 집요한 탐구에 의한 화두를 가진 사회의 본질적 직관이고 싶다. 좀 더 사적인 욕망을 얘기할 때 나는 반면 물질에 의해 너무 간단히 적극적으로 매료된다. 나는 구도자인 동시에 내가 도달하지 못할 소유의 단계에 대한 아주 구체적인 열등감에 사로잡혀 있는 속물이다. 나는 아주 쉽게 모순에 도달하여 아직 행동을 정할 수 없다. 생각을 끝맺고 결론을 내려야 한다는 부담을 거두고 나면 혼란 속에 오히려 그 본연의 질서와 아름다움이 솔직하게 내재한다.

Flickering Instrument

Jun-Soo Kim Exhibition

26 July - 7 August 2019

압바스 키아로스타미(Abbas Kiarostami)의 <체리향기>는 자신이 자살을 했을 때 묻어줄 누군가를 찾는다. 그 여정의 길에 몇몇의 사람들을 만나고 주인공을 설득하기 위해 자신들의 이야기를 그에게 들려준다. 이 작품은 감독의 여정의 3부작 <내 친구의 집은 어딘가> <그리고, 삶은 계속된다>, <올리브 나무 사이로>가 끝난 후 칸느에서 어렵게 상영된 후속 작품이다. 주인공인 아닌 등장 속 인물들은 자신의 이야기를 들려주며 그에게 삶의 절망이 희망으로, 때로는 희망에 절망으로 그리고 다시 환희로 변화는 순간의 감정들을 고백하며 눈앞의 ‘삶의 끝’을 설득하려 한다. 우리는 영화 내내 주인공의 감정의 변화를 알 수 없다. 그저 타인의 말을 묵묵히 듣고 있는 모습을 통해 감정을 짐작하기만 할 뿐이지만, 우리는 주인공의 감정을 읽게 되는 이상한 체험을 하게 된다.

파리 국립 미술학교 때부터 인물화를 작업해왔던 이태경 작가의 ‘자화상’들은 본인의 모습이 아닌 타인의 얼굴을 통해서 자신의 본질을 찾아왔다. <체리향기>의 주인공과 다른 점이 있다면 이태경작가는 자신의 본 모습을 찾아가는 과정에 있어서 능동적인 선택을 했고, 그렇게 선택된 대상을 통해 자신의 내면을 담아 왔다.

오랫동안 제작해온 인물화 작품에서 본인의 형질이 아닌 타인의 외형질을 빌어 자신의 심리와 감정을 담을 수 있었던 것은, 우리 삶의 모습은 외적형식을 걷어 낸 본질은 유사하거나 같기 때문일 것이다. <체리향기>의 인물들은 다양한 에피소드를 통해 주인공과 대치하지만, 결국 그 모두가 그럼에도 불구하고 삶은 살아갈 이유가 있다는 본질을 전해주기 위함인 것처럼, 이태경 작가의 작품들은 타인의 얼굴을 지우고, 선을 뭉개 버리고, 거칠게 폭발시킨 선의 묘사들로 타인의 읽은 감정을 그려왔다 하더라도 그 안의 공통되게 존재하는 작가의 삶의 무게로 환원된다.

인물을 통해 자신의 모습을 말해오던 작가는 2016년 “보이지 않는 풍경 : invisible Landscape"을 통해 낯선 풍경들이 가득한 작품들을 발표하였다. 그가 추구하던 타인의 모습들은 삭제되고 낯선 풍경들이 해체된 인물의 본질들을 대신하며, 작가의 그림에 익숙했던 이들에게 신선한 충격을 안겨준다. 인물 자체만을 주목하였던 작가의 프레임에 ‘공간’이 대체함으로 작품을 바라보는 관찰의 태도가 탐색의 태도로 전환되며 우리는 삶의 가장 깊숙한 곳까지 함께 이끌려 간다. 단순하게 생각한다면 작가가 바라본 대상이 타인이라는 존재에서 자연이라는 존재로 전환된 것일 뿐이지만, 자연이라는 대상으로 들어오면서 익숙하게 인지했던 형태는 완전히 해체되었고, 우리는 더 넓은 대상에 감정을 투영해야 하는 변화를 느끼게 되었다.

이번 전시는 2016년 전시의 문맥과 연장선에 있으면서 작가의 또 다른 변화를 담은 전시이다. “불완전한:incomplete”이라는 제목은 2016년 “보이지 않는 풍경(invisible Landscape)” 시각적 형태에서 다시 작가의 내면의 감정으로 돌아온다. 마치 먼 여정의 길을 마치고 다시 집으로 돌아온 삶의 이야기를 전해주는 듯하다. 풍경 속에 인물들을 안착시키며 두 가지가 공존에서 오는 감정들은 다시 ‘나’를 담아내고, 인물들은 배경과 일체화되며 풍경 속에 스며들거나 작은 존재의 형태로서 모호하다, 실존하는 모델들은 이제 풍경 속으로 스며들거나 작은 형태만을 지니면서 그들의 존재는 작가 본연의 모습인지 형상을 빌려왔었던 타인의 모습인지 구분되지 않는 불완전한 존재의 모습들로 나타낸다. 그동안 삶의 무게와 내면의 탐구를 통해 스스로의 정체성을 질문했던 작가로서의 여정은 <체리향기>에서 주인공이 사람들을 만나 들었던 이야기들이 결국 자신의 이야기였던 것처럼, 작가의 안에 쌓여간 타인의 삶들을 무거운 바위처럼 자신의 안에서 지니고 다시 자신의 것으로 만들어야 하는 스스로의 숙명에 관한 이야기들을 혼재된 배경과 인물을 통해 보여준다. 불완전한 것은 작가 본인 일 수도 있지만, 이제는 그림을 바라보고 있는 우리의 삶의 고난과 무게에도 질문을 던지고 있다. 던져진 공간 속에서 삶의 무게를 이겨내고 위로 받을 누군가를 기다리고 있는 우리의 모습이 지금 이 순간 우리 앞에 있는 것이 아닐까.


Tae-Kyung Lee Solo Exhibition

21 June - 4 July, 2019

The big eyes of children that are about to fall in, the lovely animals that resemble them, Pastel tone landscapes in fairy tales, These are the parts that attract audiences who first meet the work of Artist, Moon Seung-yeon.

Even if we don't listen to the details, Moon’s work is starting to feel friendly. While thinking the meaning of existence, Moon also has been thinking about the way of delivering her message to audience so that it may not be too heavy. In her work, the meaning of existence means the object of being together. The object which gives us comfort and peace by sharing our feelings during our lives. Artist Moon has been expanding her work through the process of painting such objects.

Two important pillars that make up te world of her work are Time and Space. To Moon, Time and Space are considered physical devices for sharing and filling all beings together. Plus, it is also the way that connects reality and ideals, and is the device that enables emotional exchange, healing, and recovery between each other.

Sharing Time and Space is the process of sharing stories with each other. From this process, it develops the depth of relationship and seek each other’s meaning. One thing is that prior to finding the meaning of the space, first object she focused was the meaning of time. Because she thought that it is a little more comprehensive and specific to talk about the space, rather than the time. the time is clearer in the space.

  During the process, the meaning of the work began to change. As Moon’s view broadens, the importance of audience’s participation has also begun to differ. In her early works, the meaning of existence only expressed inside a frame of each work. The object in her work was the one of projection for comfort and empathy rather than interaction. It is now changed. Moon is trying to change the direction in which the audience can communicate with the work. The movement of the active self, which is felt from the inside, is also used as a factor that makes the audience more immersed in the exhibition.

Artist Moon Seung Yeon’s 4th solo exhibition <Mulmangcho: Forget me Not> will be the starting point of such change. It makes the work and audience to share the same time and space, not to be separate. It leads to relationship and exchange of emotions in an equal position. Starting with this coming exhibition, the work by Moon will no longer be viewed unilaterally. Being the object of sharing memories with the audience, this is what Artist Moon Weung Yeon wants in her work.

Forget Me Not : 물망초

Seung-Yeon Moon Solo Exhbition

7 - 20 June, 2019

 In the same time and space as us, who live days by gaining memories, there also are people who lose their memories. Even the person who has lost most of what we call memory, unconsciously heads to somewhere, eye contacts with somebody, and touches something. Watching a dearest person losing memory, artist Kim Kwan Young dreamed of hope of bringing back those memories by giving the shape to pieces of unconsciousness.

Consciousness and unconsciousness interact with each other and produce numerous pieces of memory that are joined and grouped together, or scattered in smaller pieces to idealize the memory and overlay it with other, or sometimes cover it with opaque shrouds. No one’s memory is perfect. In this age, when even AI(Artificial Intelligence) expands its own memory, such imperfection distinguish humans from machines and it leaves arts as human territory.

Kim painted such unconscious actin onto the canvas he faces every day. After hours of considering, one dot is stamped and a huge ares is painted in just a few seconds, vortex pilled up by meticulous calculations and one side covers or reveals the other. these unconsciousness codes, which are abstractly translated without the involvement of any specific forms, remind viewers some common emotions and stimulate memories in their respective depths.

There now is something next to Kim who has been working on a series of tasks over the past years that adds memory at an uncountable rate instead of someone who has been losing his or her memory. These changes in the environment change Kim’s unconsciousness, and such unconsciousness is reflected in both colour and energy of brush touch of his work.

For Kim Kwan Young, Painting is the way of finding lost memories in unconsciousness and identifying his other self. We hope viewers to have some times to recall their lost memories through Kim’s works.


Kwan-Young Kim Solo Exhbition

17 - 30 May, 2019

빛과 그림자를 심다

Jamsan Solo Exhibition

3 - 16 May, 2019

완전함의 시작

Byung-Taek Jeon Solo Exhibition

5 - 11 April, 2019

강준석, 김예슬, 배우리, 신대준,  손우정, 장수지, 정진갑


Group Exhibition

1 - 14 March, 2019

From January 25 to February 14, artist Bon-Seok Koo expresses the night view of a city with acrylc and LED will be holding the solo exhibition <DYING NIGHT> at L GALLERY, Samcheong-dong. The solo exhibitions in 3 years will be focusing on the weight of life hidden inside the splendid night view of a city in the structure of capitalism.

Artist Koo explains that “In the perspective of a third person, the truth of the city cannot be seen”. In far distance, the beads series composed like a countless number of cells and Light-Emitting Diode (LED) series create a city in the aerial view and it feels like looking at the structure of the most perfect world. However, when the works are observed in detail, the abstract and figurative elements such as unknown composition or circuit feel like immaterial property and only provide a feeling of emptiness. Although we are attracted to the illustrative form of a city, the artist uses ‘Dot’ to express the emotions of people composing the city.

<DYING NIGHT> rearranges and restructures the reverse side of the life finely hidden in the artworks with the essay-type of records written by the artist himself. Each artwork with a separate frame will be placed like a one installation art to express the artist’s archive into an empire.

In addition, <DYING NIGHT> will be also exhibiting all forms of the artist’s archive including the artist’s LED series, beads series, and new works. By looking at the artworks with the texts of unreleased note recorded for the artworks, the audiences will have a chance to find themselves living in a cold city. Also, the exhibition hopes the audiences to think of Charlie Chaplin’s saying, “Life Is a Tragedy When Seen in Close-Up But a Comedy in Long-shot”, with the artworks.


Bon-Seok KooSolo Exhibition

18 January - 14 February, 2019

성병희, Lovot Lab, 킹홍


Group Exhibition